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Jorge Andrade

Cassiano Mignoni

**Pré-venda**: *Envios a partir de 12 de janeiro de 2026*.

Em outubro de 1950, o linchamento de quatro acusados do incêndio na igreja Santo Antônio, localizada em Chapecó, Santa Catarina, reverberou em jornais e revistas de circulação nacional. “*Cenas de barbarismo em Chapecó*” (O Estado de S. Paulo) e “*O massacre de Xapecó*” (Folha de S. Paulo) e “*A chacina de Xapecó – 300 colonos endemoniados*” (O Dia).

Em 1954, o dramaturgo paulista Jorge Andrade (1922-1984) retomou este bárbaro acontecimento e iniciou a escrita das primeiras versões do texto teatral *O Incêndio*. A trama coloca em cena o destino trágico de Omar, Luzia, Romualdo, Orlando e Jupira, encurralados pelo coronelismo local exercido por Deputado Galvão, Padre Líbero, Delegado Ulhôa e Coronel Azevedo.

O texto percorreu longos anos, incluindo a censura do regime militar brasileiro. Foram mais de dez versões, sendo publicado pela primeira vez em 1979 pela editora Global em uma versão com dois atos cênicos e um enredo menor em relação a esta edição que você tem em mãos. A partir da pesquisa do historiador Cassiano Mignoni, apresentamos pela primeira vez a peça em três atos que foi escrita em 1965 e nunca havia sido publicada até então.


*Este projeto foi contemplado no Edital de Fomento e Circulação das Linguagens Artísticas de Chapecó nº 007/2024 — Edital das Linguagens: Edição 2024.*

Humana

O Incêndio: três atos de Jorge Andrade

Michelle Silveira da Silva

**Somos Palhaças é um registro histórico e artístico de mulheres que atuam como palhaças no Brasil.**

Com a intenção de escrever um livro que contasse a história das palhaças por uma outra perspectiva, Michelle elaborou um questionário e enviou para as palhaças responderem, no caso das palhaças Xamego e Coxilha, quem respondeu foram integrantes da família.

O questionário além de perguntar sobre a trajetória profissional e na palhaçaria, criou espaços para as artistas falarem sobre sua infância, memórias, sonhos e desejos como artistas e palhaças. A partir desse rico e vasto material recebido, Michelle organizou no formato de um texto narrativo a história de cada uma dessas 55 palhaças.

A autora manteve-se fiel as informações contidas no material recebido e tentou manter o máximo dessas informações no texto. Quem costurou cada história, foi o olhar sensível de Michelle sobre cada acontecimento na vida dessas meninas, dessas mulheres, dessas artistas e dessas palhaças.

Que essa construção faça jus a trajetória pessoal de cada mulher aqui apresentada, e que possa servir de inspiração para tantas outras pessoas que vejam nessas histórias um motivo para continuar trilhando seus próprios caminhos.

Edição do autor

Somos palhaças

Antonin Artaud

José Celso Martinez Corrêa

Este Prefácio não pode deixar de Revelar q as Obras de Artaud com esta Peça, tirada de sua Gravação Proibida do Programa “A Voz dos Poetas”, Mesmo Proibída em 1948 se tornou Entre Todas as Vozes Permitídas, a Mais Presente nos Corpos Humanos de hoje, na Pós Pandemía, na Luta pelos Territórios dos Indígenas y na Luta pela Vida no Planeta Terra Agonizante, Artaud por ser o Poeta da Vida como Coisa Concreta, do Corpo, das Coisas Humanas, dos Bichos, das Pédras q Vão Sendoldots.

 – José Celso Martinez Corrêa

N-1 edições

Para dar um fim no juízo e deus

Eurípides

 Tereza Virgínia Ribeiro Barbosa

**Edição comentada & tradução direta do grego por Trupersa (Trupe de tradução e encenação de teatro antigo). Direção de tradução por Tereza Virgínia Ribeiro Barbosa.**

Pobre Hécuba! Não houve mãe grega ou troiana que tenha sofrido mais que a rainha de Troia! Um a um de seus rebentos, Hécuba perdeu para a guerra infame, realizada em nome de uma “mulher que o foi de mais de um homem”, como ressoou no coro esquiliano (Ag. 63-64). A tradição deu-lhe entre quatorze e dezenove filhos. Eurípides ampliou a prole para cinquenta filhos, o que a tornou a imagem da maternidade total. 

Quando a tragédia foi encenada, o cenário da vida real era a guerra do Peloponeso, que já acumulava seus mortos. Toda a peça se centra no sofrimento materno, potencializado na morte dos derradeiros filhos, Polidoro e Polixena – o primeiro, traído por quem o deveria salvaguardar; a segunda, reduzida a butim de guerra do inimigo já morto. Assim como as duas guerras – a de Troia e a do Peloponeso – se espelham, tais mortes replicam um drama em que a mater dolorosa vingará todos os filhos perdidos para a insânia humana.

Esta tradução de *Hécuba* oferece a leitores e plateias uma experiência totalmente inovadora, desobediente aos usos e costumes tradutórios que solenizam a linguagem, em detrimento dos sentimentos e impulsos que sangram a língua escorreita, para parturiar o trágico. Tradução descolonizadora, fiel à vertigem de um texto que revida à desgraça dessa mãe reduzida a nada – “sem filho, sem marido, sem cidade” (v. 669) – e cuja dor vai “muito além da Taprobana” (v. 714); chama a si recursos insuspeitáveis, para dizer a dor que não pode ser calada. Talvez esta tradução explique às plateias brasileiras a desrazão do belicismo em que vivemos.

Relicário

Hécuba

Alfred Jarry

**A peça Ubu rei foi encenada pela primeira vez em 1888. Desde então, Pai Ubu, o protagonista, encarnou a alegoria do político grotesco, estúpido, intratável, que se torna rei trapaceando e governa na base de atrocidades contra o povo e os aliados.**

Com tradução inédita dos irmãos Bárbara e Gregório Duvivier, esta edição comemorativa tem projeto gráfico de Elaine Ramos, com lâminas interpostas no miolo com manuscritos e reproduções de artistas das vanguardas – como Dora Maar, Miró, Lina Bo Bardi, Max Ernst, Picasso e Raymond Savignac.

O volume ainda conta com uma fortuna crítica com textos de Firmin Gémier (ator da primeira encenação da peça), Guillaume Apollinaire, Michel Foucault, Otto Maria Carpeaux, além de escritos do próprio Jarry. Livro de outubro do Circuito Ubu.

Ubu Rei ou Os poloneses

Ariano Suassuna

A *Farsa da Boa Preguiça* compõe a trindade das peças mais representativas da dramaturgia de Ariano Suassuna, junto com o *Auto da Compadecida* e *A Pena e a Lei*, e, como elas, bebe na fonte do universo mítico e poético do Romanceiro Popular Nordestino. Montada pela primeira vez em 1961, a peça foi inteiramente escrita em versos, e traz, como um dos seus protagonistas, o poeta popular Joaquim Simão, escritor de cordel, cantador e adepto do ócio criativo ― a boa preguiça de Deus, contrária à preguiça do Diabo. Peça preferida do próprio autor, a *Farsa* conserva o tom irônico e bem-humorado das comédias de Ariano e é considerada por parte da crítica como “a súmula de todo o seu teatro”.

Nova Fronteira

Farsa da boa preguiça

William Shakespeare

**Misto único de conflito familiar e crise política, de amor e ódio entre pais e filhos, Rei Lear evoca o niilismo da modernidade ao mesmo tempo em que opera a história do século XVI e das primeiras décadas do século XVII.**

Muitas vezes considerado o ápice da produção dramática de Shakespeare, Rei Lear começa quando um rei idoso, em busca de um sucessor, acaba por escolher duas filhas indignas de sua confiança, em vez daquela que o ama. Por conta desse erro, ele se vê despojado de seu poder, condenado a uma vida miserável de horror e insanidade.
Nenhuma peça de Shakespeare foi tão longe na junção de traços grotescos, fantásticos e violentos, nos contrastes do humano, em cenas absurdas e impactantes repletas de ardis improváveis que envolvem a mente do leitor numa névoa que se mostra cada vez mais uma poderosa criação narrativa.

O elo de Rei Lear com a contemporaneidade fica evidente seja no caráter niilista ou nas insinuações pré-psicanalíticas da obra. Situada em um universo impiedoso, a tragédia sombria e brutal de Shakespeare é uma obra-prima imponente e fundamental, uma poesia feroz e de amplo escopo imaginativo.

Penguin & Companhia das Letras

Rei Lear

Friedrich Nietzsche

**Primeiro livro de um dos maiores filósofos do século XIX, O nascimento da tragédia despertou polêmica pela ousadia da abordagem e pela militância estética em favor de Wagner, mas se tornou uma das obras mais influentes do século XX. A Companhia das Letras o lança agora numa nova tradução, assinada por Paulo César de Souza.**

Publicado no início de 1872, em meio a controvérsias, O nascimento da tragédia teve grande influência nos estudos sobre a Antiguidade, na filosofia e nas artes do nosso tempo.

Estimulado pela metafísica de Schopenhauer e pelas concepções e composições de Richard Wagner, Nietzsche distingue duas correntes na cultura grega, a apolínea e a dionisíaca, e discute a natureza da cultura em geral, a relação entre arte, sofrimento e conhecimento, e as precondições para o ressurgimento da grande arte trágica, que traria consigo a renovação do mundo.

A nova edição vem acompanhada do texto "*Verdade e mentira no sentido extramoral*", de 1873, que prenuncia a crítica da razão e da linguagem que Nietzsche desenvolveria em obras da maturidade, e conta com posfácio de André Luís Mota Itaparica.

Companhia das Letras

O nascimento da tragédia (ou Os gregos e o pessimismo)

Fernanda Montenegro

Marta Goés

**No marco de seus noventa anos, as memórias de Fernanda Montenegro trazem o frescor de uma artista eternamente genial.**

Em *Prólogo, ato, epílogo*, Fernanda Montenegro narra suas memórias numa prosa afetiva, cheia de inteligência e sensibilidade. Com sua voz inconfundível, ela coloca no papel a saga de seus antepassados lavradores portugueses, do lado paterno, e pastores sardos, do lado materno. Lidas hoje, são histórias que podem "parecer um folhetim. Ou uma tragédia" – gêneros que a atriz domina com maestria.

Na turma de jovens que circulavam pela rádio estava Fernando Torres, que ela reencontrou nos ensaios da peça Alegres canções na montanha, quando começaram a namorar. Fernando largou a Panair, Fernanda largou a Berlitz, e o casal se entregou de corpo e alma à arte, paixão de uma vida. Constituíram uma família e realizaram juntos um sem-número de peças, ao lado dos principais nomes do teatro brasileiro.

Em páginas de grande emoção, ela relembra os desafios de criar os filhos sobrevivendo como artistas; a busca permanente pela qualidade; a persistência combativa durante os anos de chumbo; a capacidade de constante reinvenção; o padecimento de Fernando; o inesperado sucesso internacional nos anos 1990; a crença na terra que acolheu seus antepassados imigrantes e a devoção por esse país.

Fernanda encarna o melhor do Brasil. Não surpreende que alguém que passou a vida memorizando textos tenha desenvolvido notável capacidade de rememorar com sutileza fatos ocorridos décadas atrás. A atriz que há anos encanta multidões em palcos e telas pelo mundo agora se mostra uma contadora de histórias de mão-cheia.

"*Não estou romanceando. Tenho quase um século de vida, portanto posso dizer: 'Era no tempo do rei'.*"

"*Não se sabe o que mais admirar nela: se a excelência de atriz ou a consciência, que ela amadureceu, do papel do ator no mundo. Ela não se preocupa somente em elevar ao mais alto nível sua arte de representar, mas insiste igualmente em meditar sobre o sentido, a função, a dignidade, a expressão social da condição de ator em qualquer tempo e lugar.*" – Carlos Drummond de Andrade

Prólogo, ato, epílogo: memórias

Taurepang

Macuxi

Wapichana

Marcelo Ariel

Mário de Andrade

Deborah Goldemberg

Theodor Koch-Grünberg

Iara Rennó

Macunaíma: o herói sem nenhum caráter, o romance, completou noventa anos com respeito e sucesso nas cores e na voz do gênio Mário de Andrade. Makunáima ou Makunaimã, a divindade indígena do tempo imemorial, habita o Monte Roraima, no extremo norte do Brasil, e faz parte do sagrado de alguns povos indígenas que vivem sob seu cuidado e olhar de menino Deus.

*Makunaimã: o mito através do tempo*, a peça de teatro, traz as vozes indígenas pemon, taurepang, wapichana e macuxi, povos que são herdeiros legítimos de Makunaimã, a reclamar dentro da própria casa de Mário de Andrade o Macunaíma estereotipado, que mistura histórias e culturas indígenas diferentes para compreender a formação do povo brasileiro, a partir do nosso sagrado.

É no barulho da discussão sobre Macunaíma e Makunaimã que Mário de Andrade desperta do Além, caminha até a sua sala e surpreende a todos. “Não tenham medo. Estava dormindo na mais plena paz há tanto tempo e, de repente, ouço vocês aqui discutindo a minha obra, me acusando de um monte de coisas […] ouvi gente aí dizendo que eu tinha que ter ido até os índios, ouvir por mim mesmo os mitos taurepang. E que, se tivesse feito isso, eu teria escrito outra história.”

É nessa energia que acontece o diálogo entre o dono da casa, os reclamantes e os convidados — infelizmente, para Mário, sem vinho nem charutos.

*Makunaimã: o mito através do tempo* é um livro revolucionário, que traz à tona vozes e visões do outro lado — o indígena—, que por noventa anos esteve totalmente invisível, sendo reiteradamente desrespeitado em sua existência e em seu sagrado.

— Cristino Wapichana, no prefácio

Elefante

Makunaimã: o mito através do tempo

Nadja Naira

Marcio Abreu

Grace Passô

A fala pública de uma mulher negra é o ponto de partida para apresentar ao público reflexões sobre as possibilidades de interação entre as diferenças e o papel essencial do diálogo sobre assuntos urgentes. Criação da Companhia Brasileira de Teatro, PRETO trata do racismo, do preconceito, da violência, da empatia e da posição da “mulher preta lésbica” como sujeito num mundo dominante branco, masculino e hétero.

Cobogó

PRETO

Carcaça de Poéticas Negras

**Mato Cheio é inspirado nas histórias dos escravizados que fugiam pelas linhas férreas em direção ao mar, cruzando a Casa do Sítio da Ressaca – quilombo de passagem do começo do século XIX – até chegar aos quilombos da cidade de Santos, no litoral sul de São Paulo. Gasta-Botas, Salgada e Ninguém de Oliveira Neta dividem o mesmo corpo-imagético.** 

Uma personagem, vista de três perspectivas diferentes, que caminha em busca de si e do lugar que ocupa. Elxs anseiam chegar no mar, numa tentativa de reformar o passado, tragar o presente e construir outra possibilidade de futuro, mobilizados pela personagem Fogo, traduzido por Picita: mulher negra, não-ficccional, fato que a história pretende apagar. A dramaturgia propõe um olhar para o corpo negro em deslocamento pela cidade e para o genocídio e o etnocentrismo construído e propagado da época da escravatura até os dias de hoje. Ficção, mito e depoimentos pessoais compõem o tecido poético-performático-narrativo da obra.

Mato Cheio

Pedro Cardoso

*Pedro Cardoso Eu Mesmo* reúne uma seleção dos textos que ele publicou em sua conta no Instagram entre 6 de setembro de 2016 e 31 de março de 2019. Vão, portanto, dos primeiros meses do governo de Michel Temer aos primeiros meses da Presidência de Jair Bolsonaro. Muitos deles foram escritos sob forte emoção de revolta e trazem a marca do momento, mas não sofreram modificação posterior à época em que foram postados nas redes. O que foi dito deve permanecer dito do modo que foi; sem reparos da serenidade posterior.

Longe de pretender fazer desta uma obra teórica, de ciências sociais ou filosofia política, Pedro Cardoso se apresenta aqui – ele mesmo – como cidadão, em busca de um diálogo contra o fascismo brasileiro.

Record

Pedro Cardoso eu mesmo: Em busca de um diálogo contra o fascismo brasileiro

Mohamed El Khatib

Existe um vazio terminológico para designar aqueles que perdem um filho, os “órfãos ao contrário”. A peça É a vida caminha por esse deserto a procura de uma palavra, de uma esperança, convidando dois atores para testemunhar essa dor indescritível. 

Uma performance-experiência-limite que se sustenta sobre o fio da delicadeza. Mohamed El Khatib confecciona um pequeno manual para uso dos vivos. Distorcendo o papel do ator – o de fingir para se aproximar do real –, ele escreve uma peça tênue, em equilíbrio entre o pudor e a extrema proximidade com o público, a qual nos leva ao sentido da palavra hebraica shakoul, “A ursa a quem tiraram a ninhada”.

É a vida

O *Auto da Compadecida* consegue o equilíbrio perfeito entre a tradição popular e a elaboração literária ao recriar para o teatro episódios registrados na tradição popular do cordel. É uma peça teatral em forma de Auto em 3 atos, escrita em 1955 pelo autor paraibano Ariano Suassuna. Sendo um drama do Nordeste brasileiro, mescla elementos como a tradição da literatura de cordel, a comédia, traços do barroco católico brasileiro e, ainda, cultura popular e tradições religiosas. Apresenta na escrita traços de linguagem oral (demonstrando, na fala do personagem, sua classe social) e apresenta também regionalismos relativos ao Nordeste. Esta peça projetou Suassuna em todo o país e foi considerada, em 1962, por Sábato Magaldi "*o texto mais popular do moderno teatro brasileiro*".

Auto da Compadecida

Eve Ensler

Publicado em 140 países, *Os monólogos da vagina* marcou toda uma geração com a visão hilariante e reveladora de Eve Ensler a respeito do que até então era considerada uma zona proibida, “aquela-que-não-devia-ser-nomeada”, um mistério até mesmo para as próprias mulheres. Adaptada a partir da premiada peça teatral off-Broadway que se tornou sucesso absoluto em todo o mundo, tendo inclusive diversas montagens no Brasil, esta obra revolucionária reúne uma série de histórias luxuriosas, emocionantes, singelas e, sobretudo, humanas, que transformaram o ponto de interrogação que costumava pairar sobre a anatomia feminina em um permanente sinal de vitória. Vinte anos depois de seu lançamento, Eve Ensler mostra, em um prefácio inédito, por que o seu texto continua mais atual – e necessário – do que nunca. Mesclando gargalhadas e lágrimas, a autora transporta seu público para um universo que ainda hoje muitos hesitam em desbravar, garantindo que qualquer um que leia 

*Os monólogos da vagina* jamais volte a olhar para o corpo de uma mulher da mesma maneira. “Eu estava preocupada com as vaginas. Preocupada com o que a gente pensa das vaginas, e mais preocupada ainda com o que a gente não pensa. Então, resolvi falar com mulheres a respeito do assunto. Essas conversas viraram *Os monólogos da vagina*. Falei com mais de duzentas mulheres: mulheres mais velhas, mais novas, casadas, solteiras, lésbicas, professoras universitárias, atrizes, executivas, profissionais do sexo, mulheres afro-americanas, hispânicas, asiáticas, caucasianas, judias. De início, elas ficavam meio relutantes, um pouco tímidas. Mas, quando começavam a falar, aí não paravam mais.

Globo

Os monólogos da vagina (Edição comemorativa)

Martin Esslin

Em 1953, Esperando Godot, de Samuel Beckett, estreava num minúsculo teatro de vanguarda parisiense. Em cinco anos, a peça já havia sido traduzida para mais de vinte idiomas e assistida por milhares de espectadores. Sua impressionante popularidade marcou o surgimento de um novo tipo de teatro cujos autores - Beckett, Ionesco, Jean Genet, Harold Pinter e outros – estilhaçavam convenções dramáticas e tentavam transmitir a sensação de viver num mundo que parecia sem sentido. 

Publicado em 1961, O Teatro do Absurdo, de Martin Esslin (1918-2002), tornou-se referência absolutamente necessária na época, ao oferecer ao público e aos estudiosos uma obra abrangente e definitiva sobre esse movimento fundamental, embora então ainda novo. Hoje, cinco décadas após, o livro seminal de Esslin não perdeu o frescor e segue como o que melhor descreve e analisa o trabalho desses artistas, em peças fundamentais como Esperando Godot, A cantora careca, O rinoceronte, Piquenique no front, As criadas, Festa de aniversário, História do zoológico e tantas outras. Nada menos que um clássico, essa edição, revista, atualizada e ampliada, traz tradução de Barbara Heliodora, apresentação de Paulo Francis e um novo prefácio escrito pelo autor, inédito no Brasil.

Zahar

O teatro do absurdo

Olga Almeida

O enigma do bom dia é um convite à reflexão sobre os desafios da convivência. Escrita por Olga Almeida durante as atividades da terceira turma (2017) do Núcleo de Dramaturgia SESI Rio de Janeiro, a dramaturgia apresenta a delicada relação entre a menina Maíra, sua mãe (Rosa), irmão (Marcelo) e avó (Helena). 

No coração da trama, o autismo de Maíra é revelado através de sua dificuldade em compreender o que é um “bom dia”. A mãe da menina afirma: “Não gostam da Maíra, mas acho que é puro medo. Medo do que não é igual, medo de ser tocado pela... desigualdade”. Através do jogo liberto que a personagem Maíra tem com a linguagem, a autora apresenta então uma dramaturgia que, quadro a quadro, desenha outras maneiras para ler e escrever as relações inter-humanas e familiares.

O enigma do bom dia

**A mais famosa das tragédias de William Shakespeare em edição traduzida e anotada por José Francisco Botelho.**

Escrita e encenada pela primeira vez em 1599, *Júlio César* é a mais famosa das tragédias romanas de Shakespeare e uma das obras que tiveram melhor acolhida durante a vida do dramaturgo.

Ao recriar a morte do grande ditador no Senado, a peça oferece algumas das melhores cenas da literatura, como o ardiloso discurso de Antônio incitando a plebe à revolta e a briga e reconciliação de Cássio e Bruto diante da notícia da morte de Pórcia, esposa do traidor.

Cuidadosamente traduzida e anotada pelo premiado José Francisco Botelho, esta edição conta ainda com um prefácio de Harold Bloom em que o crítico americano joga luz sobre a personagem de Bruto, considerada por ele o primeiro intelectual shakespeariano.

Júlio César

Ésquilo

**Sete contra Tebas, de Ésquilo, é a única peça que chegou até nós de uma tetralogia que inclui Laio, Édipo e a comédia A Esfinge, e que venceu as Dionísias de Atenas em 467 a.C. Como pano de fundo da tragédia, temos a maldição lançada sobre a dinastia dos Labdácidas, reis da cidade-estado de Tebas, na Grécia, que causou o assassinato de Laio, a desgraça de seu filho Édipo, e uma guerra fratricida entre os dois filhos de Édipo, Etéocles e Polinices, para herdar seu trono.**

A história se inicia quando Polinices, alijado do poder por seu irmão, reúne um exército com mais seis generais gregos e cerca as muralhas de Tebas. Diante da invasão iminente, o rei Etéocles, protagonista da peça, procura acalmar os cidadãos em pânico e organizar a defesa da cidade. Destaca-se no texto a bela passagem em que Etéocles, informado por um espião sobre os sete generais que atacarão as portas de Tebas, identificados por seus escudos, designa os sete guerreiros tebanos que irão enfrentá-los.

A extrema plasticidade desta obra-prima do teatro grego é realçada na apurada tradução poética de Trajano Vieira, autor também do posfácio a esta edição bilíngue, que inclui ainda um ensaio historiográfico do helenista inglês Alan H. Sommerstein.

Sete contra Tebas (Edição bilíngue)

Oswald de Andrade

**Marco de diversos movimentos culturais do Brasil, a obra -- que completa 80 anos -- faz uma autocrítica sobre a identidade nacional e põe em prática as ideias antropofágicas modernistas.**

Escrita em 1933, publicada em 1937 e encenada pela primeira vez trinta anos mais tarde pelo Teatro Oficina, esta é a peça fundamental de Oswald de Andrade. Ao retratar um país mergulhado na crise financeira de 1929, às vésperas do Estado Novo, *O rei da vela* aponta a utopia de um projeto político que não viria a se concretizar. Oswald apresenta uma peça de teatro profundamente anarquista, que explora a força soberana do imperialismo americano em toda sua dimensão caricata e grotesca. No centro do palco está o escritório de agiotagem Abelardo & Abelardo, em um enredo que tem como pano de fundo a ambição tacanha e desenfreada de um país subdesenvolvido, as falcatruas, a decadência, o desprezo pela moralidade e o sexo estapafúrdio.
O volume inclui textos inéditos de Décio de Almeida Prado e de Renato Borghi, além de um manifesto de 1967 de José Celso Martinez Corrêa, que assina também um pós-escrito para esta edição.

O rei da vela

Afonso Nilson

**Seis textos breves para estudantes de teatro é uma coletânea de peças teatrais escrita para grupos de alunos e professores de artes cênicas.**

São ideais para exercícios de cena, provas das disciplinas de encenação e direção, bem como montagens de fim de ano ou curriculares de cursos de teatro. Escritos entre 1999 e 2005, os textos abordam temáticas diversas, algumas contundentes. 

A maioria dos textos mantém um viés cômico, utilizando recursos como a ironia e o nonsense. Como os textos foram escritos para grupos específicos, as formações variam entre monólogo, duos, trios e para elencos maiores, com até onze atores. 

Os textos vêm sido encenados ao longo dos anos por alunos universitários de artes cênicas, escolas livres de teatro, grupos amadores, bem como em eventos como festivais e mostras de cenas curtas.


Letras contemporâneas

Seis textos breves para estudantes de teatro

Michele Rolim

Em *O que pensam os curadores de artes cênicas*, a pesquisadora e crítica teatral Michelle Rolim conversa com quinze dos principais curadores da área sobre a função e a importância da curadoria na construção e no desenvolvimento das artes cênicas no Brasil. A partir dos anos 1990, vivemos a multiplicação de festivais no país, o que estimulou a discussão sobre o tema. No livro, lançamento da Editora Cobogó, entrevistadora e entrevistados são instigados a pensar juntos sobre a figura do curador e como sua função se desenha no Brasil.

“Esse livro é uma tentativa de compreender como o modelo de gestão e o modelo artístico dentro de um festival interagem, mostrando que o curador não atua de forma isolada. Ele se insere em um sistema de relações e de poder, e também em um contexto histórico, social, político, cultural e econômico”, diz a autora.

O que pensam os curadores de artes cênicas

**A perda de si apresenta cartas selecionadas das Obras completas de Antonin Artaud (1896-1948), grande parte há poucos anos editada na França pela primeira vez e até aqui inédita no Brasil.**

Nas palavras da organizadora Ana Kiffer, o conteúdo “convida ao leitor a percorrer através do tempo de uma vida de escrita a escrita da vida” de um poeta muito comentado e pouco lido. O volume, que conta com tradução de Kiffer e Mariana Patrício Fernandes, dá continuidade à coleção Marginália, que revela aspectos menos conhecidos de alguns dos maiores escritores modernos a partir da reunião de cartas, bilhetes, ensaios e artigos. A curadoria está a cargo do jornalista Miguel Conde.
 
Autor de uma obra repleta de blasfêmias contra o status quo reinante, dos partidos políticos à igreja, Artaud jamais deixou de ter uma aura marginal. O “desconhecimento” de seus textos, no entanto, parece estar diretamente relacionado à vastidão e à variedade de sua obra, composta de 28 volumes de 500 páginas cada um – além de desenhos, filmes, teatro e gravações de rádio. Ainda assim, poucos formatos são capazes de mostrar um Artaud tão completo quanto as cartas. De certo modo, foi por elas que se consagrou autor: quando envia seus poemas ao então editor da Nouvelle Revue Française, Jacques Rivière, este lhe nega a publicação por meio de uma carta. Tal rejeição dá início a uma correspondência muito particular entre um aspirante a escritor e um consagrado “homem de letras” – que descobre nas epístolas daquele jovem um olhar muito preciso sobre o espírito humano.
 
As cartas a Rivière, escritas em Paris nos anos 1920, abrem o livro com um passeio pelas vanguardas europeias e detalham aquilo que Artaud identifica como sua experiência de “abandono do espírito” – o deslocamento da atividade da escrita para um conjunto de sensações da carne e não mais para a coerência do intelecto. Da mesma época vêm as trocas com Anis Nïn e Alexandra Pecker, que, em sua crueza afetiva, desconstroem o que se consolidou chamar de “correspondência amorosa”. Na década de 1930, durante uma aventura no México, ele explora a questão do teatro e da cultura ao se deparar com a questão do outro em uma aproximação dos povos indígenas do “novo mundo”. Depois, escrevendo aos doutores Latremolière, Dequeker e Ferdière, expõe sua relação com a loucura, enquanto seu contato com André Breton faz com que o leitor possa reavaliar as relações entre modernismo, surrealismo e revolução.
 
Para Ana Kiffer, as cartas selecionadas compõem “uma travessia sobre uma experiência que ao desfazer linhas divisórias desestabiliza territórios anteriormente delimitados, uma travessia que transborda e, ao transbordar, cria zonas imprevistas entre o dentro e o fora, alargando o próprio espaço-limite como espaço vivível, mesmo quando irrespirável”. Antes de tudo, A perda de si: Cartas de Antonin Artaud é um livro sobre a vida em sua forma mais pulsante.

Rocco

A perda de si: cartas de Antonin Artaud

**A nova tradução de uma das obras mais populares do teatro. Leitura imprescindível do maior dramaturgo de língua inglesa.**

Em Veneza, Otelo, um general mouro a serviço do Estado, conquista Desdêmona, uma jovem, filha de um nobre local. Após enfrentar a ira do pai e defender-se com sucesso contra a acusação de tê-la "enfeitiçado", ele parte a Chipre em companhia da esposa para combater o inimigo turco-otomano. Lá, seu alferes, o manipulador Iago, consegue paulatinamente instilar na mente do mouro a suspeita de que Desdêmona o traiu. Otelo é a tragédia em que Shakespeare estudou os mecanismos da imaginação, da paixão e do ciúme. Em nova tradução de Lawrence Flores Pereira, que recria a linguagem grandiosa de Otelo e a prosa nefasta de Iago, esta nova edição é acompanhada de uma longa introdução e notas contextuais do tradutor, bem como de um ensaio de W. H. Auden.

Otelo

Em 1957, o jovem paraibano escreveu *O santo e a porca*, onde salienta-se a mistura do religioso e do profano, a presença da música e dos personagens – altamente cômicos, inseridos no universo e na ideologia da região. Seus protagonistas não se identificam com aqueles que detêm posições de mando e as autoridades se revestem de um caráter distante e negativo. Os alicerces de seu trabalho são baseados em algumas técnicas da literatura de cordel e nos folguedos populares nordestinos. Sucesso há mais de quatro décadas, *O santo e a porca*, uma comédia dividida em três atos, narra a história de Euricão Árabe, um velho avarento devoto de Santo Antônio que esconde em sua casa uma porca cheia de dinheiro.

O santo e a porca

**Nova tradução do clássico Romeu e Julieta, a história de amor mais famosa da literatura.**

Há muito tempo duas famílias banham em sangue as ruas de Verona. Enquanto isso, na penumbra das madrugadas, ardem as brasas de um amor secreto. Romeu, filho dos Montéquio, e Julieta, herdeira dos Capuleto, desafiam a rixa familiar e sonham com um impossível futuro, longe da violência e da loucura. *Romeu e Julieta* é a primeira das grandes tragédias de William Shakespeare, e esta nova tradução de José Francisco Botelho recria com maestria o ritmo ao mesmo tempo frenético e melancólico do texto shakespeariano. Contando também com um excelente ensaio introdutório do especialista Adrian Poole, esta edição traz nova vida a uma das mais emocionantes histórias de amor já contadas.

Romeu e Julieta

**Um dos textos teatrais mais importantes da literatura ocidental ganha tradução fluente e estimulante de Lawrence Flores Pereira.**

Um jovem príncipe se reúne com o fantasma de seu pai, que alega que seu próprio irmão, agora casado com sua viúva, o assassinou. O príncipe cria um plano para testar a veracidade de tal acusação, forjando uma brutal loucura para traçar sua vingança. Mas sua aparente insanidade logo começa a causar estragos - para culpados e inocentes. Esta é a sinopse da tragédia de Shakespeare, agora em nova e fluente tradução de Lawrence Flores Pereira. Mas a trama inventada pelo dramaturgo inglês vai muito além disso: Hamlet é um dos momentos mais altos da criação artística mundial, um retrato - eletrizante e sempre contemporâneo - da vida emocional de um Homo sapiens adulto.

*Leitura obrigatória do vestibular da UFRGS.*

Hamlet

Margot Berthold

Margot Berthold realizou um trabalho notável em sua *História Mundial do Teatro*, ao integrar de uma maneira que se poderia dizer primorosa a busca documental, o registro ocorrencial e o poder de síntese escritural. Daí resultou um livro de abrangência invulgar. 

Unindo história da dramaturgia e do espetáculo, análise estética e crítica das tendências e correntes artísticas vigentes dentro e fora do palco, as figuras e obras marcantes da criação cênica e suas inter-relações, enfeixa num só volume um repertório que será de utilidade indubitável para quem, especialista ou iniciante, buscar em suas páginas informações precisas e uma visão dos períodos mais representativos da história do teatro. 

Publicando-o, a editora Perspectiva não mediu esforços para vencer as dificuldades de tradução e edição de tão complexo acervo de textos e imagens, certa de estar trazendo para seu público leitor uma obra de grande relevância para a biblioteca teatral brasileira.

Perspectiva

História mundial do teatro

Zé Celso Martinez Corrêa

Ana Helena Camargo de Staal

**A aventura do Teatro Oficina e de Zé Celso Martinez Corrêa, um dos nomes mais importantes do teatro brasileiro. Neste livro, Ana Helena Camargo de Staal organizou e selecionou cartas, entrevistas, artigos e páginas do diário para trazer à cena a trajetória de Corrêa.**

"*De grande valor para a compreensão da cultura brasileira nas últimas décadas." Bernardo Carvalho (Folha de S. Paulo).

Primeiro ato: cadernos, depoimentos, entrevistas (1958-1974)