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Maria Bernardete Ramos Flores

Marcos Sardá Vieira

A arte, ao se conectar com os problemas da vida cotidiana, adquiriu protagonismo na paisagem das cidades contemporâneas. São múltiplos os trabalhos artísticos a céu aberto, a inundar as cidades com uma nova arte pública. Em cena, artistas de rua, pensadores culturais, usuários do espaço urbano com suas experiências estéticas e contemplativas, grupos ativistas, dissidentes, e também grupos da ordem econômica e política, “fazedores” de cidades pastiches e de identidades inventadas. Fantasias urbanas: arte, mitos e magia na cidade contemporânea reúne abordagens surgidas a partir de pesquisas realizadas no campo da história, da arquitetura, das artes visuais, da literatura, do cinema e do patrimônio. Em debate, a reapropriação da cidade tanto por movimentos socioculturais não-hegemônicos, em busca do reconhecimento e do direito à cidade, quanto por forças políticas e midiáticas ao transformarem a cultura e o patrimônio histórico em mercadorias ao gosto do turismo de massa.

Humana

Fantasias Urbanas: Arte, mitos e magia na cidade contemporânea

Anne Lafont

Os textos reunidos neste livro atestam o compromisso de Anne Lafont com as novas perspectivas da história da arte. Baseando-se em uma intensa atuação entre pesquisas, curadoria e crítica, a autora traça um panorama sobre as imagens e a cultura material do chamado Atlântico Negro, possibilitando novas aberturas para repensarmos o que é a arte africana, bem como seus usos e sentidos no contexto da colonização.

Referência tanto na Europa quanto nos Estados Unidos, Anne Lafont investiga como diversas produções artísticas são atravessadas pelas questões raciais e coloniais, aspectos até então pouco considerados no âmbito da historiografia. Com uma abordagem arejada e original, ela analisa o papel de resistência da arte feita por africanas e africanos no período da escravização, as marcações raciais presentes em obras cruciais da história da arte, e debate ainda as leituras mais clássicas da história e das ciências sociais sobre a produção artística dos mundos negros.

As análises reunidas neste volume também têm o caráter de intervenção, caso dos artigos sobre o papel dos monumentos públicos em meio às recentes reivindicações antirracistas e o projeto de restituição de obras africanas empreendido pelos museus franceses.

Bazar do Tempo

A arte dos mundos negros: História, teoria, crítica

Andrea Giunta

O livro *Contra o cânone: arte contemporânea em um mundo sem centro*, da pesquisadora argentina Andrea Giunta, é um estudo aprofundado sobre o impacto da arte não-ocidental sobre culturas centrais, propondo uma perspectiva comparativa contra o relato canônico da arte moderna que tem por centro a história da arte euro-norte-americana. Sua hipótese é a de que a Segunda Guerra forçou o descentramento. Distante dos modelos teóricos de modernização ou transculturação – as “ideias fora de lugar”, a “modernidade periférica”, as “culturas híbridas” –, a autora retoma o conceito de “zonas de contato” (Mary Louise Pratt) e propõe a ideia de vanguardas simultâneas. Assim, contra os vocabulários do centro, a arte é tomada em seus próprios contextos – Antropofagia, Muralismo, Martin Fierro, Arte Concreta-Invenção, Madi, Perceptismo, Frente, Neoconcretismo –, relacionando uma constelação de artistas como Xul Solar, Torres-García, Joan Miró, Lygia Clark, Helio Oiticica, Antonio Berni e Godard, ou analisando as relações entre abstracionismo brasileiro e a artista paquistanesa Nasreen Mohamedi. Com tradução de Eleonora Frenkel e  prefácio de Raul Antelo, Contra o cânone é a edição brasileira do livro lançado na Argentina em 2020, um livro que debate arte contemporânea de um mundo sem centro em novos horizontes culturais compartilhados. 

Nave

Contra o cânone: arte contemporânea em um mundo sem centro

Rodrigo Naves

A obra crítica de Rodrigo Naves caminha em tensão permanente entre as noções de forma e história. Seu livro *A forma difícil*, lançado originalmente em 1996, é um marco na interpretação da arte brasileira. A partir de leituras minuciosas das obras de Guignard, Volpi, Debret e Amilcar de Castro, Rodrigo discute a dificuldade de emancipação da forma moderna na arte brasileira. 

Em seus ensaios, a análise da materialidade específica de cada trabalho é sempre o ponto de partida. Não é diferente nesta poderosa interpretação da obra de Van Gogh. Atento à fatura expressiva das icônicas telas do artista holandês, Rodrigo procura entendê-las à luz da ideia de salvação, profundamente enraizada na formação protestante do pintor (seu pai era pastor de orientação calvinista e ele próprio foi pastor assistente). As consequências críticas do argumento são inúmeras ― e contribuem para uma imagem mais nuançada da trajetória do artista, refém de incontáveis estereótipos associados à genialidade e à loucura. 

O Van Gogh que surge destas páginas não é apenas o gênio instável e atormentado, mas um artista consciente dos mínimos aspectos de seu ofício, ao qual se via ligado como a uma predestinação religiosa. A liberdade de referências típica dos mais prendados ensaístas, o rigor da análise formal ― devedor de exigentes leituras de estética ―, a limpidez do estilo, a originalidade dos pontos de vista, a assertividade das opiniões, o espírito de provocação, todos esses predicados da influente obra de Rodrigo Naves se fazem presentes neste ensaio. Como nos quadros do pintor holandês, vaza luz das páginas deste livro. E ela nos ajuda a enxergar com mais nitidez os enigmas do mundo lá fora.

Todavia

Van Gogh: A salvação pela pintura

Aline Dias

Elke Coelho

*“sem contorno: como a água”* procura transpor para o formato publicação uma exposição de arte homônima que, apesar de organizada e montada na Galeria de Arte do Departamento de Arte Visual da Universidade Estadual de Londrina, devido à pandemia, não pode ser visitada no ano de 2020.

Organizada por Aline Duas e Elke Coelho, a publicação reúne imagens dos trabalhos que compuseram a exposição, um “texto enxurrada” escrito por Aline Dias e um glossário - tão heterogêneo quanto os formatos e acepções que a água assume - composto pelas vozes e perspectivas dos artistas que participaram da mostra. O posfácio escrito por Elke Coelho contextualiza as circunstâncias em que a exposição aconteceu: durante a pandemia causada pelo coronavírus e, consequentemente, com a presença ínfima de espectadores no espaço/tempo da exposição.
 
Agradecemos a generosidade de todos os artistas participantes do projeto: Adolfo Emanuel, Danillo Villa, Diego Rayck, Fran Favero, Helder Martinovsky, Julia Amaral e Raquel Stolf.

Coelho coelhos

Sem contorno: como a água

Daiana Schvartz

**Neste ensaio biográfico sobre Dalme Marie Grando Rauen (1949-1996), escrito por Daiana Schvartz, surge a história da artista que iniciou sua carreira em 1978, em Chapecó, Santa Catarina.** 

Dalme atuou como conselheira municipal de cultura e contribuiu para a criação do primeiro grupo de artistas da cidade, o Grupo Chap. Sua trajetória como artista foi curta mas lhe rendeu uma vasta produção escultórica. Dalme Marie expôs seus trabalhos em salões, exposições individuais e coletivas. 

Concomitante ao período de atuação artística, retomou a sua carreira como advogada, trabalhando principalmente nas causas indígenas, em particular, da demarcação das terras Kaingang na região de Chapecó. A narrativa biográfica foi construída a partir da pesquisa em arquivos de instituições públicas e em acervos pessoais. Suas incursões no circuito artístico catarinense permitem conhecer outros artistas que estavam em seu entorno, principalmente a cena artística chapecoense das primeiras décadas dos anos de 1980.

O lançamento ocorreu no dia 4 de novembro, em uma transmissão ao vivo desde o Café Brasiliano, em Chapecó (SC), pelo canal do Youtube da Humana Sebo e Livraria. [Clique aqui](https://www.youtube.com/watch?v=pAOenqWj5pI) e confira o registro da conversa.

Este título compõe a coleção *Biografemas* da Editora Humana e foi contemplado com recursos do Edital Elisabete Anderle de Incentivo à Cultura do Governo do Estado de Santa Catarina.

**Sobre a autora**

Daiana Schvartz é doutora pelo programa de pós-graduação em artes visuais do Instituto de Artes da Universidade Federal do Rio Grande do Sul (UFRGS). Docente de artes do Instituto Federal de Santa Catarina (IFSC), campus São Carlos (SC). Autora dos livros: *Elke Hering: Crítica, Circuito e Poética* (Liquidificador, 2018) e *Lindolf Bell: crítica de arte em Santa Catarina* (Editora Humana, 2020).

**Sobre a Coleção Biografemas**

A grafia de uma vida é necessariamente o movimento desta vida. Biografemar é reconhecer na própria escrita a impossibilidade do todo, recusando a ilusão biográfica, escapando dos códigos e conexões lineares do gênero biográfico. Significa caminhar na direção do outro sabendo que não há como seguir pegadas de uma vida, sem deixar suas próprias marcas. Inspirado no conceito de *biografema* forjado por Roland Barthes, a coleção apresenta breves ensaios biográficos a respeito de artistas, cientistas, filósofos, educadores que, por algum motivo, hoje se encontram esquecidos ou afastados do cânone artístico e intelectual. Interessa-nos tomar a vida como um percurso que conecta a produção artística e intelectual de uma época, experiências daqueles viveram e/ou produziram à margem do seu próprio tempo ou em deliberado confronto com os cânones estabelecidos.

Dalme Marie, escultora

Michael Doran

**Em seus últimos anos de vida, recluso em Aix-en-Provence, no sul da França, e dedicando todas as suas energias à pintura, Paul Cézanne (1839-1906) vive uma das mais belas, profundas e vigorosas aventuras da arte moderna, influindo de maneira decisiva no rumo das artes plásticas do século XX e descortinando possibilidades que, ainda hoje, estão longe de terem se esgotado.**

Michael Doran, pesquisador do prestigioso Courtauld Institute, de Londres, coligiu, comparou, reuniu e anotou, em *Conversas com Cézanne*, os principais testemunhos daqueles que conviveram com o pintor entre 1894 e 1906, e registraram não só a forma e o conteúdo de suas conversas, a veemência de seus pontos de vista, a originalidade de suas concepções, mas também seu cotidiano, seus hábitos e idiossincrasias, seus procedimentos diante do motivo pictórico e até a ordenação das cores em sua paleta.

Por meio de cartas, artigos de jornal, relatos de conversas e ensaios críticos e biográficos, Conversas com Cézanne traça o retrato vivo de um gênio ao mesmo tempo emotivo e arredio, ardente e cerebral, dado a explosões de cólera ou de generosidade, com um amor desmedido à vida e à pintura. A um só tempo sábio, decidido, mas profundamente desconfiado de si e dos outros, “*o Cézanne que emerge destas conversas e testemunhos é*” — no dizer de Paulo Pasta que assina o posfácio deste livro —, sem dúvida alguma, “*a figura excepcional da pintura moderna*”.

Conversas com Cézanne

Susie Hodge

*A breve história das artistas mulheres* conta a história completa – desde os avanços que as artistas mulheres fizeram na luta pela igualdade de gênero, às importantes contribuições feitas para movimentos artísticos dominados até então por homens, e as artistas esquecidas e ofuscadas que agora estão sendo redescobertas e reavaliadas.

Acessível, conciso e ricamente ilustrado, o texto de Susie Hodge revela as conexões entre diferentes períodos, artistas e estilos, dando aos leitores uma compreensão completa e ampla apreciação das realizações das artistas mulheres.

Olhares

Breve história das artistas mulheres

Rubens Mano

**O livro informa a trajetória de Rubens Mano.** 

Após participar do projeto Arte/Cidade, em 1994, o artista dá início a uma série de trabalhos com os quais procura atuar nas conexões entre os  sistemas de construção de espaços e a maneira como se experimenta ou se ativa tais ambientes. Fortemente ilustrado e bilíngue (inglês e português), princípio ativo retoma os principais trabalhos e ações de Mano, mesclados a um ensaio da pesquisadora Aline Dias. Boa parte dos trabalhos são acompanhados por pequenos textos escritos pelo artista.



Princípio ativo

Hal Foster

**Se à tragédia se segue a farsa, o que vem depois da farsa? Como o mundo da arte participa dos dilemas de sua época? O que a política da pós-verdade e da pós-vergonha implica para artistas e críticos? O novo livro de Hal Foster traz uma análise ácida e urgente do contexto social, político e cultural desta segunda década do século XXI, implicando toda a rede de atores do mundo da arte: artistas, curadores, museus e instituições e críticos.**

Esboçados entre 2005 e 2020, período pontuado pela crise financeira de 2008 e, nos termos do crítico, a catástrofe representada por Trump, os ensaios reunidos neste volume discorrem sobre mudanças na arte, na crítica e na ficção diante do atual regime de terror e vigilância, desigualdade extrema, desastre climático e disrupção midiática. Para avaliar essa situação, ele analisa um conjunto variado de práticas e sondagens críticas.
 
A primeira parte do volume enfoca a política cultural a partir do 11 de Setembro, incluindo o uso e o abuso do trauma, da paranoia e do kitsch. A segunda parte examina a remodelação neoliberal das instituições de arte nesse período, quando tanto o mercado como os museus se expandiram enormemente causando uma reação dos artistas a essas mudanças, de maneira crítica ou não. Por fim, um terceiro conjunto de ensaios contempla as transformações na arte, no cinema e na ficção recentes.

Muito atento à cena contemporânea, Hal analisa polêmicas que atravessam toda a produção cultural. Um dos capítulos analisa o debate em torno do filme The Square: a arte da discórdia (2017), do diretor sueco Ruben Östlund, que sintetizaria um mundo da arte dividido entre rotina transgressora de um lado e vigilância ética do outro. Quando se volta para o fenômeno da curadoria, Foster identifica o surgimento de um curador mais ligado à indústria cultural, como “organizador de exposições”, coincidindo com a multiplicação de feiras e bienais de arte em todo o mundo. O crítico dá especial atenção à atividade do célebre curador e também teórico da curadoria contemporânea Hans Ulrich Obrist. São também alvos de sua inclemência os museus escultóricos, que aliaram contextos urbanos decadentes ou regiões precárias de uma cidade com uma arquitetura espetacular autoral e icônica, totalmente dissociada das questões locais, tornando-se emblemas midiáticos para atrair um turismo cultural.

Se o capitalismo consumista deu nova cara às instituições e a uma parte da produção artística, viu-se igualmente uma reação política significativa, que assumiu protagonismo na cena artística. Nos últimos tempos, ressalta o autor, assistimos a uma revitalização parcial dessas instituições como resultado, sobretudo, de três movimentos: uma conscientização maior da ordem plutocrática que respalda boa parte das grandes organizações, graças ao Occupy Wall Street; uma agitação renovada contra a base colonialista dos museus importantes, tanto no acervo como no quadro de funcionários, graças ao Black Lives Matter; e uma crítica revigorada das estruturas persistentes de machismo e patriarcado, graças à irrupção do #metoo. Os exemplos do livro são norte-americanos, mas a amplitude dos fenômenos é mundial.

Hal Foster se foca na intervenção de alguns artistas e aponta para a pequena influência que cada ator pode exercer para pressionar as instituições a responder a seus compromissos públicos, apesar dos interesses privados que as dirigem. Como abertura positiva para o futuro, ele vê a volta inesperada do museu e da universidade como possíveis locais de resgate da esfera pública, em que, ao menos em princípio, podem-se expressar críticas e propor alternativas.

O que vem depois da farsa?

Leila Danziger

“*Cadernos do Povo Brasileiro*”, de Leila Danziger, é uma espécie de arca que recolhe alguns dos livros censurados ou apreendidos na ditadura civil-militar brasileira, associando-os aos rostos, rastros e nomes dos que foram vítimas da violência de Estado, não apenas sob os governos militares, mas também, recentemente, nas periferias das grandes cidades.

A publicação apresenta uma versão da instalação Perigosos, subversivos, sediciosos (Cadernos do povo brasileiro), realizada pela artista em 2017 para a mostra coletiva “*Hiatus: a memória da violência ditatorial na América Latina*”, apresentada no Memorial da Resistência, em São Paulo, com curadoria de Márcio-Seligmann-Silva, professor da UNICAMP e autor de um dos ensaios do livro, que conta também com um texto de Luiz Cláudio da Costa, orelha de Marisa Flórido César e uma breve apresentação de Leila Danziger.

O título da publicação faz referência a uma coleção publicada pela Civilização Brasileira, no início da década de 1960. A editora de Ênio Silveira foi uma das mais atingidas pela censura no Brasil.

Relicário

Cadernos do povo brasileiro

Lula Wanderley

Kaira M. Cabanãs

O que os textos de Lula nos lembram é que psiquiatras – psicanalistas, terapeutas vários que lidam com os loucos – todos nós temos que servir, temos que nos prestar a servir àquele que nos faz apelo. A clínica exige que nos dobremos sobre o paciente e com ele participemos do trabalho de reconstrução – um trabalho que requer engenho e arte, exigência que Lula, em seu trabalho e em seu livro, cumpre generosamente.

Se tivesse tido a sorte de conhecer Lula e o Espaço Aberto ao Tempo, Artaud não teria dito, em sua loucura lúcida, que os psiquiatras – leia-se, psis de toda ordem – detestam os loucos. — Neusa Santos

N-1 edições

No silêncio que as palavras guardam

**O poeta, galerista e crítico de arte Lindolf Bell (1938-1998) foi uma presença marcante no circuito artístico. Seus trabalhos, seja na literatura com a “catequese poética”, seja nas artes visuais atuando na galeria Açu-Açu ou escrevendo em catálogos e jornais, ainda reverberam constituindo uma importante referência cultural para o século XX em Santa Catarina.**

*Lindolf Bell: crítica de arte em Santa Catarina* é um esforço monumental realizado pela artista, professora e pesquisadora Daiana Schvartz. O livro de estreia da Editora Humana reúne 358 textos de Lindolf Bell sobre artes visuais publicados durante sua atuação como colunista do Jornal de Santa Catarina, de Blumenau, entre os anos de 1972 a 1995.

Nos textos há uma grande variedade de assuntos e abordagens, sendo que a maior parte se concentra nas atividades artísticas que tiveram vínculos geográficos com Santa Catarina, ou pela residência fixa no estado ou pelo intercâmbio a partir dele. São citados os nomes de 378 artistas de Santa Catarina e de 34 cidades. Ao final, o livro apresenta um índice onomástico que facilita a pesquisa sobre cada artista, crítico, galerias de arte e cidades de Santa Catarina citados(as). Bell aborda também as exposições promovidas pela Galeria Açu-Açu, coletivas de artistas catarinenses em diversos espaços expositivos, iniciativas de espaços culturais por todo o estado, reflexões sobre a arte catarinense. Além dos textos críticos de sua autoria, há também entrevistas, traduções, textos de outros críticos e notícias sobre a agenda cultural. Bell aproveitava o espaço que ocupava no jornal para dar visibilidade à cena cultural, para isso também usava de uma linguagem jornalística, abusando das imagens (algumas delas parte do livro), textos curtos e frases breves para uma comunicação mais direta.

[Clique aqui](https://www.youtube.com/watch?v=mO4l-n_v36Y&t=15s) e assista ao vídeo com Daiana Schvartz falando sobre o processo de pesquisa e organização do livro. 

[Clique aqui](http://www.humanasebolivraria.com.br/wordpress/wp-content/uploads/2020/09/Aperitivo-de-Lindolf-Bell-organizado-Daiana-Schvartz.pdf) para ler um aperitivo das primeiras páginas de *Lindolf Bell* organizado Daiana Schvartz.

Este livro foi “Contemplado no Edital nº 252/2018” promovido pela Secretaria de Cultura da Prefeitura Municipal de Chapecó.

Lindolf Bell: crítica de arte em Santa Catarina

Arthur C. Danto

“Você tem em mãos a última obra escrita por um dos mais influentes estetas da segunda metade do século XX e do início do século XXI — Arthur Danto —, falecido em 2013. Seu pensamento, como o de tantos outros filósofos no âmbito anglo-saxônico, teve origem numa abordagem da filosofia analítica da linguagem, especialmente na sua versão fortemente influenciada por Ludwig Wittgenstein. Desde o início de sua carreira, porém, diferentemente da ortodoxia tão peculiar a essa corrente de pensamento, Danto se interessou por filósofos muito distanciados dela, tais como, por exemplo, Hegel e Heidegger, sem falar nos seus livros monográficos sobre Nietzsche e sobre Sartre.

Um pouco à revelia do projeto intelectual do princípio de sua carreira, Danto produziu uma das obras mais incontornáveis da estética contemporânea, tendo como motivação inicial o seu espanto diante das Brillo Boxes, de Andy Wahrol, expostas pela primeira vez na Stable Gallery, de Nova York, numa mostra de 1964. Esse espanto gerou, de imediato, um artigo, que já é considerado “clássico”, intitulado “*O mundo da arte*”, em que Danto inicia a indagação que ocuparia boa parte de sua filosofia da arte ao longo de décadas, a qual pode ser assim resumida: se as caixas da esponja ensaboada da marca “Brillo” produzidas por Wahrol são perceptualmente idênticas às que se encontram nos estoques dos supermercados, o que nos permite afirmar que aquelas são obras de arte e essas não o são?

Os livros subsequentes de Danto, tais como A transfiguração do lugar comum, O descredenciamento filosófico da arte, Após o fim da arte e O abuso da beleza, dentre outros, enfocam, sob diversos pontos de vista — com destaque para a retomada do locus hegeliano sobre o fim da arte — essa mesma questão, que, no fundo, diz respeito à definição da arte, ou, posto de outro modo, a O que é a arte— não por acaso o título deste livro, cuidadosamente traduzido por Rachel Cecília de Oliveira e Debora Pazetto. Nele, Danto não apenas repete a definição de arte consagrada em A transfiguração do lugar comum, mas lhe acrescenta algo novo: “*Decidi enriquecer minha definição de arte — significado incorporado — com outra condição que capta a habilidade do artista. Graças a Descartes e Platão, definirei arte como ‘sonhos acordados*’”.

Texto de orelha de Rodrigo Duarte

O que é a arte

Ailton Pereira Jr.

Caulim é a pesquisa de conclusão de curso de Ailton Pereira Jr. e agora ganha novos ares. É uma publicação que foi dita por Nelson, Aledir, Pedro Estevão, Maura e outros trabalhadores da Industria Cerâmica de Imbituba que o autor conversou. 

Nessas entrevistas/conversas/narrações encontram-se as experiência de um local geográfico de trabalho, mas também questões globais como a memória, a nostalgia, a saudade, o passar do tempo, a ruína, as relações de trabalho, a reflexão sobre a vida e sobre o ato de narrar e de contar/ser histórias.

Ouriço

Caulim

Gustavo Piqueira

**Mestiços: primeiros cruzamentos entre texto, imagem e objeto nos livros do modernismo brasileiro, de Gustavo Piqueira, analisa dois livros pioneiros e revolucionárias dos anos 1920: “Quelques Visages de Paris”, de Vicente do Rego Monteiro, e “Pathé-Baby”, de Antônio Alcântara Machado. Pouco difundidos, ambos usam elementos como ilustrações, tipografia e materialidade como parte integrante da narrativa. Juntos contribuíram para a inescapável influência do modernismo brasileiro.**

Esse é o quarto volume da Coleção Gráfica Particular. Como o nome já diz, os livros dessa coleção buscam destacar itens específicos da produção impressa. Seu critério de seleção é assumidamente desorganizado (“particular”, se preferir): valem medalhões, valem obscuros; antigos ou contemporâneos; passadela por obras amplas ou olhar detido sobre algum detalhe; etc, etc. Ela também não demarca territórios nem aponta vertentes. Pelo contrário, aliás. Seu objetivo não é o de direcionar gostos pra lá ou pra cá, mas sim estimular cada um na elaboração de seu cânone gráfico particular.

Lote 42

Mestiços: Primeiros cruzamentos entre texto, imagem e objeto nos livros do modernismo brasileiro

** originalidade da abordagem está na caracterização do movimento de retorno a uma espiritualidade perdida que marcou os mundos da arte na passagem do século XIX para o XX.**

Neste seu novo livro, a historiadora Maria Bernardete Ramos Flores chama atenção para os rumos controversos da modernidade. A originalidade da abordagem está na caracterização do movimento de retorno a uma espiritualidade perdida que marcou os mundos da arte na passagem do século XIX para o XX. Naquela época, o investimento na espiritualidade e na religiosidade revelado na criação de vários artistas confrontava o predomínio do pensamento racional e objetivo.

O revival espiritual constituiu uma via para enfrentar os dilemas da modernidade. O livro tem como ponto de partida o diálogo com as obras artísticas de Xul Solar e Ismael Nery, respectivamente um pintor argentino e outro brasileiro que se projetaram na cena cultural a partir da década de 1930.

Mercado de letras

Xul Solar e Ismael Nery entre outros místicos modernos: sobre o revival espiritual

José Cirillo

Ângela Grando

**Mediações e Enfrentamentos da Arte, organizado por José Cirillo e Ângela Grando, é resultado de um conjunto de reflexões sobre o processo criativo nas artes contemporâneas.**

Os textos reunidos buscam desenvolver as ideias de mediação e enfrentamento, apresentando dúvidas, atritos e ruídos observados na produção e teorização da arte nos últimos tempos, assim aspectos estéticos, sociais, políticos e culturais que permeiam o processo de criação são debatidos, permitindo o diálogo do leitor com os pesquisadores. Esse diálogo é uma espécie de partilha do pensamento e do sensível, mantendo viva as discussões que transgridem regimes e abarcam modos de ser da arte e dos sujeitos da arte.

Intermeios

Mediações e enfrentamentos da arte

Danto apresenta a evolução do conceito de beleza durante o último século. Mostra que ela foi removida da definição de arte: antes era quase unânime que o propósito final de uma obra de arte era ser bela; no século XX, essa ideia foi refutada e a beleza destronada, chegando, em alguns casos, a ser considerada um crime estético.

Para Danto, a beleza não deve ser a finalidade da obra de arte, e muito menos ser evitada. Ele expande esta reflexão sobre a importância da beleza comentando as ideias de artistas e críticos como Rimbaud, Fry, Matisse, os Dadaístas, Duchamp e Greenberg, além dos filósofos Hume, Kant e Hegel.

Martins Fontes

O abuso da beleza: A estética e o conceito de arte

Ernst H. Gombrich

**História da Arte para todos os públicos. Ernst Gombrich estabelece conhecimento e sabedoria sobre as mais antigas pinturas nas cavernas até a arte experimental contemporânea e promove um passeio fascinante e uma incomparável introdução à História da Arte.**

Leitores de todos os tempos e das mais diversas origens encontram em Ernst Gombrich um verdadeiro mestre, que combina o conhecimento e a sabedoria a um talento excepcional para comunicar seu profundo amor pelas obras de arte que descreve. 

*A História da Arte* deve sua duradoura popularidade à objetividade e simplicidade do texto, sem mencionar a habilidade do autor para apresentar uma narrativa fluente. Ele descreve como sendo seu objetivo trazer alguma ordem compreensível à riqueza de nomes, períodos e estilos que preenchem as páginas com as obras mais ambiciosas. 

Além disso, Gombrich usa sua percepção da psicologia das artes visuais para nos fazer ver a história da arte como uma tela contínua e uma mudança de tradições, em que cada obra reflete o passado e aponta para o futuro. Trata-se de uma corrente viva, que ainda liga o nosso tempo à era das Pirâmides. 

Em novo formato, a 16ª edição desta obra clássica mantém o progresso triunfante rumo às novas gerações, permanecendo como primeira opção e referência para os iniciantes no mundo da Arte.

A História da Arte

Jean-Yves Leloup

Com grande lucidez e sabedoria, da planta dos pés à cabeça, Leloup percorre o universo da corporeidade lendo-o, sempre, através de uma ótica trinitária: a somática, a psíquica e a espiritual, devolvendo-lhe a sua beleza e seu mistério. Cada parte do corpo conta-nos múltiplas estórias, transpirando símbolos e aventuras míticas, desvelando o horizonte multicolorido da inteireza humana.

Vozes

O corpo e seus símbolos: uma antropologia essencial

Walter Benjamin

O texto mais influente de Walter Benjamin O século XX, um século de catástrofes, legou algumas das mentes mais brilhantes como intérpretes do mundo em que vivemos. Um desses grandes expoentes é Walter Benjamin (1892-1940). No seu mais famoso ensaio, ele analisa como as mudanças operadas pela modernidade com o advento da fotografia e do cinema (e as transformações trazidas pelas respectivas técnicas) mexem com o status da obra de arte, retirando-lhe a “aura”, característica que a torna única, experiência da contemplação “aqui e agora”. 

Com Benjamin, a arte passa a ser pensada de modo diverso: a reprodução deixa de ser tratada como uma mera cópia e passa a ser pensada como a própria obra. O texto, publicado pela primeira vez em 1936, em francês, na revista do Instituto de Pesquisas Sociais (ponto de convergência de pensadores que daria origem à Escola de Frankfurt), teria ainda outras três versões, todas póstumas. Somente nos anos 80 veio a público a segunda versão, considerada a original, que aqui apresentamos. Com notas e variantes, esta edição oferece, pela primeira vez em língua portuguesa, uma visão global das quatro versões existentes deste que é um dos textos fundamentais para se compreender as mudanças sociais e políticas do século XX, cujos ecos ressoam ainda hoje.

L&PM

A obra de arte na era de sua reprodutibilidade técnica (Edição pocket)

Hayden Herrera

**Todo mundo conhece Frida Kahlo, cuja imagem, de olhar complexo sob sobrancelhas espessas, cabelos negros e roupas coloridas, é quase tão difundida quanto a de Che Guevara.**

Todo mundo sabe que sofreu um gravíssimo acidente na juventude, que foi casada com o grande muralista Diego Rivera, e que foi amante de Leon Trotsky. Todo mundo sabe que tinha ideias radicais em política e hábitos modernos na vida, que pintava de modo radicalmente pessoal, e que teve uma existência tão tumultuada quanto o século XX em que viveu. O que poucos sabem é que tudo o que quase todo mundo sabe sobre Frida Kahlo está longe de resumir sua vida, ou de revelar a mulher por trás do ícone da arte latino-americana moderna.

Finalmente traduzida para o português, Frida – a biografia foi um dos grandes impulsionadores do revival da artista nos Estados Unidos e em todo o mundo a partir de 1983. Como sintetizou a crítica, “Por meio de sua arte, Kahlo fez de si mesma uma artista e um ícone; por meio desta biografia, ganhou também dimensão humana”. Escrito por Hayden Herrera, reconhecida historiadora da arte, o livro traz, além da intimidade da história de Frida, detalhadas descrições e interpretações dos quadros de Kahlo, escritas com o rigor e a acuidade de uma especialista, mas também com a clareza, a fluidez e a sedução de uma amante dessa arte.

VIDA INCOMUM

Frida Kahlo foi uma pessoa extraordinária que viveu em tempos agitados. Cresceu em plena Revolução Mexicana e morreu no início da Guerra Fria, foi contemporânea de todas as vanguardas da primeira metade do século XX e conviveu com grandes nomes da política, da arte e da literatura. Frida destacou-se entre os artistas deste período ao abraçar as constantes transformações do atribulado século XX e inseri-las mais do que em sua obra, em sua vida.

A personagem que ela criou para si mesma, e encarnou à perfeição, gerou dois grandes efeitos: tornou sua pessoa mais famosa que sua obra, e fez com que sua história, na intimidade dos detalhes, dos fatos e dos afetos, fosse pouco conhecida. Se sua pintura é hoje admirada e respeitada em todo o mundo, a própria Frida Kahlo é descoberta por inteiro nesta biografia.

Biblioteca Azul

Frida: A biografia

Clara Fernandes

**Livro seminovo**
em perfeito estado de conservação; Sem assinatura, grifos e anotações; Capa, miolo e encadernação preservados; Nossos livros são embalados com plástico-bolha para o envio (imagem ilustrativa; se desejar a foto do livro, basta entrar em contato conosco).

Sinopse: O projeto LUME propõe a instalação de grandes anteparos semitransparentes (metal e nylon) em ambientes públicos. Estes lumes, tecidos como teias de aranha ou rede de pesca, pretendem selecionar características especiais dos ambientes que geralmente frequentamos. A instalação provoca intensificação dos efeitos luminosos naturais e artificiais, chama atenção para a escala do elemento humano em relação à arquitetura. Foi concebido conceitualmente no final do ano de 2006 e começou a ser executado em março de 2007. Deste ano em diante, a intervenção itinerou em praias e campos da ilha de Santa Catarina, na Fundação Cultural BADESC, no Teatro Álvaro de Carvalho, no Museu Histórico de Santa Catarina em Florianópolis e em uma antiga fábrica de São Paulo (hoje espaço cultural Casa das Caldeiras).

Letras contemporâneas

Lume

Em seu livro, Maria Bernardete Ramos Flores mostra como, do nascimento da República ao Estado Novo, toda uma maquinaria social se constituiu no Brasil em torno do objetivo de sanear os corpos diagnosticados como doentes. Na cena em que esse corpo era exposto, a ciência e a arte passaram a ocupar lugar de destaque.

Argos

Tecnologia e estética do racismo: ciência e arte na política da beleza

**Considerado o melhor artista da XXIII Bienal Internacional de São Paulo, Nelson Felix tem uma obra de caráter fortemente conceitual.**

Além da análise acurada do crítico Rodrigo Naves, o livro traz conversa descontraída do artista com três gerações de criadores brasileiros: Lygia Pape, José Resende e Nuno Ramos.

Cosac Naify

Nelson Felix